На страницах столичных средств массовой информации редко появляются упоминания театров Крыма и в частности Севастополя. А жаль, потому что некоторые из них однозначно заслуживают более пристального внимания театральной прессы. В городе четыре профессиональных коллектива и несколько любительских студий, успешно работающих уже много лет.
Нечасто приходится создавать портрет целого театра. Но знакомство с командой и репертуаром Севастопольского русского драматического театра имени А.В. Луначарского побуждает написать не только об одном спектакле или премьере, но о работе всего коллектива в целом. Тем более есть замечательный повод: театру в этом году исполняется cто десять лет.
Театральное искусство Севастополя начинает отсчет с третьего века до новой эры, когда в греческом амфитеатре на территории Херсонеса Таврического стали проводиться первые представления. Театр этот просуществовал около семисот лет. А вот нынешняя театральная эпоха началась на этой земле только в XIX веке, после основания здесь нового города.
Поначалу, когда в Севастополе еще не было постоянной труппы, город баловали гастролями знаменитости. В сентябре 1854 года здесь играл Михаил Щепкин (в поездке его сопровождал Виссарион Белинский). В разные годы здесь гастролировали Вера Комиссаржевская, Мария Савина и другие. Весной 1900 года Севастополь посетил коллектив МХТ во главе со Станиславским и Немировичем-Данченко. Было показано четыре спектакля: “Дядя Ваня” и “Чайка” Чехова, “Одинокие” Гауптмана и “Гедда Габлер” Ибсена. В 1917 году, уже в революционном Севастополе, пел свою знаменитую “Блоху” Федор Шаляпин.
В 1910 году на Приморском бульваре было построено здание театра “Ренессанс”. Здесь до революции проходили гастроли приезжих трупп. Летом 1920 года в нем обосновался коллектив, состоявший из оперной труппы, а затем и драматической. Этот коллектив получил название Первого Советского театра. 14 декабря 1920 года был издан приказ отдела народного образования Севастопольского ревкома о переименовании его в Театр имени Луначарского.
Первое здание театра, к сожалению, не сохранилось. Но нынешнее, на открытии которого присутствовал в 1957 году лично маршал Жуков, — одно из самых красивых и величественных в Севастополе. Боковым фасадом оно выходит на берег Артиллерийской бухты; с противоположной стороны — платановая аллея Приморского бульвара. Так же как и многие дома на окружающих центральных улицах, здание театра построено из белого инкерманского камня, благодаря которому выглядит светлым и нарядным.
Окна центрального зрительского фойе выходят на море, и летом для зрителей перед началом спектакля и в антракте открываются балконы. В самом фойе выставляются картины крымских и севастопольских художников, экспозиция меняется каждые полтора-два месяца. По периметру фасада расположены фотографии актеров, составляющих нынешнюю постоянную труппу, там же можно прочесть сказанные каждым из них слова о родном городе. О том, почему он им важен, почему они гордятся быть его жителями, о том, какие места здесь самые любимые и значимые. Проект такого оформления здания называется “Севастопольские рассказы” — это одна из замечательных задумок нынешнего руководства театра.
Театр пережил разные времена. Например, с первых дней Великой Отечественной войны его коллектив перешел на казарменное положение. Артисты жили в театре. Они считали себя мобилизованными и выступали на боевых позициях, батареях, кораблях.
Навсегда в истории театра останутся имена его замечательных руководителей. Целая эпоха — пятнадцать лет жизни театра — связана с одним из выдающихся режиссеров, Владимиром Магаром, он руководил луначарцами с 2000 по 2015 год.
Если говорить о новейшей истории, то, например, лет пятнадцать назад на многих спектаклях балконы первого и второго ярусов и амфитеатр зачастую не заполнялись (зрительный зал Большой сцены рассчитан на 700 мест), некоторые премьерные постановки выдерживали не более десяти представлений. Однако с приходом нового руководства многое поменялось в здании на Приморском бульваре.
В 2015 году коллектив возглавил Григорий Алексеевич Лифанов. С 2006 по 2011 год он выпускал на этой сцене спектакли как приглашенный режиссер, то есть уже был знаком с труппой непосредственно по процессу совместной работы. Среди его работ в тот период были выпущены “Всё в саду” (2010), “Ханума” (2011), “Фабричная девчонка” (2009). Последний спектакль — один из главных хитов театра, спектакль-долгожитель, имеющий своих постоянных зрителей, преданных фанатов, многие из которых посещают практически каждое представление. Вместе с Лифановым в театр пришли новый директор театра Ирина Николаевна Константинова, помощники главного режиссера Аксинья Норманская (в настоящее время секретарь местного отделения СТД) и Дмитрий Кириченко (сейчас возглавляет работу PR-службы театра).
Главреж полностью поменял стиль работы театра, который стал открытым для зрителя. “Семейный театр” — основное направление деятельности коллектива, обозначенное Григорием Лифановым после вступления в должность. Благодаря нововведениям и активной деятельности новой команды, их увлеченности своим делом и преданности родному театру он стал значимым местом притяжения в городе. Возобновилось и издание газеты о театре, которая не выходила с 2001 по 2015 год.
Последние пять лет зрительный зал заполняется на каждом представлении практически полностью. Теперь новые спектакли идут не менее тридцати раз. Первой премьерой театра при новом руководителе стала постановка режиссера Никиты Гриншпуна “#ТодаСё” (2015). Созданный на основе пяти рассказов Чехова, этот спектакль объездил несколько городов России, был показан на фестивалях “Мелиховская весна”, “Славянские театральные встречи” (Брянск), “Сезон Станиславского” (Москва) и вошел в лонг-лист номинантов на “Золотую маску”. Спектакль пользуется огромным зрительским успехом; даже необычный для воспитанной на строгой театральной классике публики Севастополя формат названия сразу привлек ее внимание. Одновременно с этим спектаклем в театр пришел новый стиль менеджмента и рекламы. Начиная с этой постановки, актеры стали делать пресс-подходы в костюмах и в гриме, проводятся презентации премьер с обязательным приглашением журналистов и друзей театра. Каждая кампания по представлению новой работы разрабатывается индивидуально, продумываются необычные ходы и интересные мероприятия.
Театр Луначарского — театр актерский. Его огромное богатство — великолепная труппа, где много и молодых сотрудников, и корифеев, работающих в театре много лет. Артисты, среди которых есть и севастопольцы, и переехавшие в Крым выпускники разных театральных школ страны, демонстрируют в каждой работе высокий уровень актерской игры, прекрасную вокальную и пластическую подготовку, отличную физическую форму. Они готовы к сотрудничеству с различными приглашенными и местными художниками, умело погружаются в различную стилистику авторской режиссуры.
Репертуар основной сцены очень обширен и разнообразен, преимущественно состоит из постановок классики. Его украшением являются два совершенно разных спектакля по произведениям Федора Достоевского. Один из них — поставленный приглашенным режиссером Василием Сениным “Дядюшкин сон” (2016), ироничный и мистический. Партитура ролей — это практически музыка: здесь Василий Сенин явно опирается на одну из характерных черт фирменного стиля режиссуры своего легендарного учителя Петра Фоменко. Персонажи повести Достоевского “Дядюшкин сон”, которая при инсценировке на сцене иногда звучала как трагедия, где явно выделялись обидчики и пострадавшие, здесь производит впечатление анекдота, в котором положительных персонажей нет вовсе. Здесь все друг друга только и мечтают облапошить, при этом они столь простодушны, действуя по своему недалекому разумению, и настолько в ироничном смысле “все хороши”, что вызывают только смех, вполне беззлобный. Первое действие играется в более реалистичной манере, второе и третье — изумительной красоты фантасмагория, где прекрасна и игра актеров, и костюмы, и декорации, выполненные под влиянием офортов Гойи. Великолепно и световое решение, благодаря которому у зрителя создается впечатление, что все происходящее — то ли сон дядюшки или еще кого-нибудь из персонажей, то ли коллективный морок-гипноз.
“Бесы” (2019) по одноименному роману Федора Михайловича в постановке главного режиссера Григория Лифанова — действо совсем другого плана, очень жесткое. Спектакль непростой, бьющий наотмашь, ломающий тебя как зрителя. На сцене практически полностью преобладают черно-белые тона, таковы костюмы главных героев — Ставрогина, Шатова, Кириллова, Верховенского. Сопровождают действие четыре женских персонажа, танцующих на сцене балетные партии из “Лебединого озера” — два черных лебедя и два белых. И только Мария Лебядкина, тоже в образе балерины, одета в красное. Жесткий рэп звучит со сцены во время заседаний тайного общества Петра Верховенского; молодые, полные разрушительной энергии люди видят свое будущее только в революции, жестокой и беспощадной, как и каждый, словами классика, русский бунт. Сопровождающий действие видеоряд воспроизводит на экране все непростые моменты отечественной истории от 1917 года до современности. Общество Петра Верховенского — молодые люди, новое поколение революционеров, неустроенных и обозленных, оторванных от своих корней, не чувствующих связей ни с родителями, ни с родиной — режиссер проецирует их агрессию на сегодняшний день. Для них нет будущего, нет веры, есть только желание разрушать и убивать. По задумке режиссера, за “заседаниями” общества наблюдает подрастающее поколение, два мальчика в белых одеждах. Рядом с ними игрушечная церковь, в ней светятся окошки. И этот свет, к слову, согревает руки Шатова в одной из мизансцен. Образование, религия — какую роль все это для них сыграет в их будущем? Какие из деструктивных идей Верховенского повлияют на их жизнь через много лет, какой цвет выберут они? Они пока играют с кубиками, на которых написаны буквы, из которых дети складывают слова — какие? И что-то строят — что? Имея совершенно другую литературную основу, спектакль по своему смысловому посылу перекликается с “Отморозками” Кирилла Серебренникова в “Гоголь-центре”. Спектакль также номинирован на “Золотую маску”, вошел в лонг-лист.
На Малой сцене театра идет еще один спектакль по произведениям Достоевского, это действо, сочетающее в себе черты таких современных театральных жанров, как спектакль-бродилка и иммерсивный спектакль: “Достоевский. Экспедиция” (2018); автор его идеи и постановщик Николай Нечаев. Во время этого представления зрители проходят по разным помещениям театра, от подвала до Малой сцены, по очереди зачитывают отрывки из “Преступления и наказания”, “Подростка”, монолог князя Мышкина, монолог Ставрогина. При этом зрители передают друг другу “топор Раскольникова”, пытаясь разобраться в чувствах каждого персонажа и своих собственных. После этого участникам предлагается проголосовать за судьбу Ставрогина. Эта часть представления происходит в подвале театра. После все поднимаются на Малую сцену, пьют чай с бубликами и смотрят вторую часть действа — “Белые ночи”.
Театр хоть и начинается, как известно, с вешалки, но представляют его зрителю в первую очередь актеры и режиссеры. Однако есть и другие члены команды, и их немало, которые не очень известны широкой публике, но зачастую делают для театра так много, что определяют его облик и характер, его, одним словом, портрет.
В спектакле Дмитрия Крымова “Му-Му” (Театр Наций) звучит замечательный монолог о значимости для театра помощника режиссера, о его вездесущности, незаменимости — и, к сожалению, незаметности. Для Театра Луначарского такими людьми являются Аксинья Норманская и энтузиаст родного театра, коренной севастополец Дмитрий Кириченко, который и стал для автора этой статьи проводником в мир закулисья одного из старейших на территории Крыма театрального здания и его замечательного коллектива.
Помощник главного режиссера Аксинья Норманская курирует свои авторские проекты: “Класс плюс театр” (для школьников) и “Студенческие вторники”. Школьные спектакли проходят в 15:00, и спектакли для этой аудитории подбираются ближе к произведениям школьной программы. Юные зрители обсуждают просмотренные спектакли, сами покупают билеты в театр, а не приходят из-под палки, потому что мама отвела за руку. Спектакли для студентов играются в 17:00, цена билетов на эти мероприятия дешевле, чем в кассе. Они сами выбирают, какой спектакль текущего репертуара хотят посмотреть, для них играют всё, даже премьерные спектакли. После таких просмотров обязательно проводятся обсуждения. Так театр воспитывает и выращивает свою публику.
Кроме того, Аксинья Норманская создала — или здесь лучше будет сказать созвала — так называемый “Зрительский ареопаг” театра. Это сообщество, которое работает уже около года, состоит из самых активных поклонников театра, которым были выданы специальные клубные карты. Их приглашают на генеральные прогоны спектаклей; члены ареопага организуют значительную поддержку проектам театра в социальных сетях, они придумывают затейливые подарки ко дням рождения актеров и режиссеров, организуют праздники. Например, на Новый год коллективу был преподнесен огромный торт с украшениями в стиле декораций из спектакля Театра Луначарского “Щелкунчик”. Членами клуба являются зрители самого разного возраста: от 15 до 50-ти и старше.
Авторскому проекту Дмитрия Кириченко “СО_участие: новая драма” уже два с лишним года, он стартовал на Малой сцене в феврале 2017-го. Задумка заключалась в том, чтобы познакомить зрителей с текстами современных пьес, что, как представляется, как раз очень нужно некоторым драматическим театрам из провинции. Севастополь сложно назвать провинциальным городом, но театральные зрители и актеры воспитывались все-таки преимущественно на классических постановках.
Поначалу для читок выбирались произведения современной зарубежной драматургии, а затем и российские новые пьесы. Сама форма читки была непривычна актерам, получившим классическое актерское образование. В дальнейшем появились эскизы спектаклей с мизансценами, профессионально выстроенными светом и звуком. Но актеры могут во время представления читать распечатанный на бумаге текст. Если первые события проекта были бесплатными и собирали не более двадцати зрителей (треть вместимости зала Малой сцены), то сейчас вход на эти мероприятия по билетам, они собирают полный зал, и существует немаленькая очередь из желающих попасть на представление.
В рамках проекта на данный момент прочитано девять текстов. Это, например, знаменитая “Королева красоты” Мартина Мак-Донаха (1996), “Две дамочки в сторону Севера” Петра Нотта (за эту пьесу автор в 2008 году был назван лучшим драматургом Франции), “Временно недоступен” немецкого автора Петры Вюлленвебер (номинация на Мюльхаймскую премию за детскую драматургию в 2012 году), “Коля против всех” (2018) тольяттинского драматурга Сергея Давыдова, “Старая женщина высиживает” (1966) Тадеуша Ружевича, “Балерина из фастфуда” (2012) ученицы школы Коляды Светланы Баженовой. Пьесы по своему желанию отбирает лично автор проекта, который иногда выступает и в роли актера. В планах “Человек-подушка” (2003) Мартина Мак-Донаха и “Путешествие Алисы в Швейцарию” (2005) Лукаса Бэрфуса. По словам Дмитрия: “Проект “СО_участие: новая драма” — там все пьесы так или иначе меня задевают, связаны непосредственно с моими внутренними потребностями, также являются выражением моей личности”.
Принцип построения ролей в этих читках таков, что артист должен донести до зрителя ту эмоцию, с которой он сегодня пришел в театр. То есть каждый раз получается другое произведение. Актеры театра, как молодые, так и корифеи, с огромным удовольствием участвуют в этом проекте.
Небольшой эскиз пьесы “Балерина из фастфуда” длится всего тридцать минут. Но в этот небольшой промежуток времени актерам удалось показать целые судьбы, целые жизни. Истории балерины бывшей, вынужденной когда-то в силу обстоятельств оставить сцену, и балерины нынешней, молодой, красивой и любимой, звучат на контрасте пронзительно и трогательно. Это небольшой рассказ о том, как короткая случайная встреча двух женщин изменила отношение каждой к себе и к собственной жизни. Такие моменты не забываются, как и спектакли такие, пусть и очень небольшие по времени, остаются в памяти у зрителя.
Тема преображения человеческой души под влиянием обстоятельств звучит и в эскизе спектакля по повести Людмилы Улицкой “Мой внук Вениамин”. Две старейшие актрисы театра блестяще сыграли двух еврейских кузин, которые прожили сложные жизни и которые потеряли многих родных во время войны. Эта история о том, как русская девочка из детского дома изменила сложившиеся представления о жизни старой еврейской мамы, которая до этого была занята исключительно поисками невесты для своего сына.
В рамках этого проекта хочется отметить и в плане режиссуры, и, особенно, в отношении прекрасного актерского исполнения следующие работы: моноспектакль о крушении юношеских надежд “Коля против всех”; изумительную, легкую и в то же время грустную историю “Две дамочки в сторону Севера” о немного сумасшедших, но очень трогательных сестрах-француженках, разыскивающих могилу отца; написанную вроде бы по-немецки строго, но очень эмоционально насыщенную пьесу “Временно недоступен” — о семье, объединившейся только после горькой потери.
У Дмитрия Кириченко есть мечта: он хочет запустить подобные проекты в других театрах. Развивать коллективы, деятельность которых ограничена только показом спектаклей текущего репертуара. Попробовать себя на другой плоскости: “Я хочу приехать в театр, посмотреть репертуар, впитать воздух этого нового театра и запустить проекты, которые нужны именно этому городу, театру, зрителю, которые будут интересны с культурологической, культуртрегерской точки зрения”.
Еще один проект Дмитрия для Малой сцены “СО_беседник” — это старый добрый формат творческих встреч с актерами, проект, который получился из личных потребностей его основателя. На Малую сцену раз в три месяца приглашается один из членов команды: актер, режиссер или художник Театра Луначарского. Формат подразумевает сближение творца и зрителя, помогает последнему преодолеть барьер восхищения, нерешительность и подойти к кумиру, к звезде. Кроме вопросов и ответов возможно совместное фото и автограф. Получается, что здесь Дмитрий Кириченко — проводник и посредник между зрителями и звездами. Фигура ведущего настолько популярна в театре, что зрители предлагали ему сделать “СО_беседник” с самим основателем и ведущим проекта.
В рамках “СО_беседника” состоялось уже девять таких встреч. В планах Дмитрия, когда таких встреч будет пятнадцать и более, — собрать все эти интервью и издать их одной книгой.
Кроме этого Дмитрий Кириченко проводит экскурсии по театру. Экскурсии очень подробные, каждая не менее двух часов. За это время экскурсанты успевают побывать и в подвале театра, и под сценой, и на “Седьмом небе”. Заглянуть в пошивочный цех, понаблюдать за тем, где и как изготавливаются декорации к спектаклям, побывать в музее театра и узнать, где находятся актерские гримерки. Экскурсии проходят в неформальной атмосфере; посетители узнают, как устроен сложный механизм театра, о его истории, о передающихся из поколения в поколение актерских байках и суевериях — ведь в каждом театре есть свои традиции и хорошие приметы. Например, перед началом каждого сезона вниз к зрительским местам опускают уникальную хрустальную люстру (в ней более пятисот лампочек), и вся труппа, в том числе старейшие работники театра, ее моют: считается, что тогда новый театральный сезон пройдет успешно. Экскурсии проходят всего два раза в месяц и попасть на них сложно из-за большого количества желающих.
Экскурсионный проект назывался поначалу “Мой театр” и задумывался как актерский вариант. Каждую такую экскурсию должен был проводить артист театра и показывать посетителям театр таким, каким он его видит и представляет. Ведущий мог выбрать свой формат общения с пришедшими: даже, например, два часа рассказывать им театральные байки, сидя у себя в гримуборной. И действительно, первые экскурсии проводили актеры театра. Но они люди занятые: репетиционный процесс, спектакли отнимают практически все время. Поэтому в дальнейшем экскурсии стал проводить сам Дима. Основная задача здесь, по его словам, — максимальная реклама спектаклей текущего репертуара, привлечение в театр и завсегдатаев на премьерные спектакли, и новых зрителей. Главный успех экскурсии — когда сразу после нее люди идут в кассу за билетами.
В театре служит немало артистов старшего поколения. Одна из них — народная артистка Украины и Татарстана Людмила Борисовна Кара-Гяур, пришедшая работать в Театр Луначарского в 1961 году, человек для Севастополя легендарный. Значение ее для истории крымского культурного поля ничуть не меньше, чем Татьяны Дорониной или Юлии Борисовой для театральной Москвы. В следующем году 85-летний юбилей актрисы.
Идея книги о Людмиле Кара-Гяур возникла у Дмитрия Кириченко с желания поддержать актрису в не самый легкий период ее жизни. Были собраны письма от ее поклонников, отзывы, вырезки из газет и создавался альбом для подарка самой Людмиле Борисовне. Дима искал информацию и отзывы о ней по крупицам и даже писал в казанский театр, где Кара-Гяур какое-то время работала в расцвете своей профессиональной карьеры.
Оказалось, что актриса хранила свой немаленький архив у себя дома и даже время от времени избавлялась от той или иной части сильно разросшегося количества артефактов. В 2016 году работа была начата. Сейчас книга под названием “Лично в руки” готова, сверстана и готовится к печати. Написана она отнюдь не в скучном академическом стиле: это подборка монологов-рассказов актрисы о себе, телефонных разговоров с автором книги, посвященные Людмиле Борисовне стихи, выдержки из статей, написанных о ней в разные годы жизни, ее воспоминания и, конечно, главы о важнейших ролях. Получился живой образ женщины, актрисы с непростым характером, сильной, мощной творческой личности.
Таким образом, театр работает и в области классического репертуара, и с современной западной и российской драматургией. Если раньше, чтобы увидеть в театре новые формы, зрителю-севастопольцу нужно было ехать, например, в Москву, то теперь в Театре Луначарского все это или уже существует, или будет осуществлено в обозримом будущем. В планах театра построить и открыть третью сцену, современно сконструированную и оснащенную, с залом-трансформером. Но и сейчас представления, авторские проекты, прогоны и показы проходят во всех уголках театра, от подвала до комнаты на седьмом этаже, называемой “Седьмое небо”, расположенной точно над зрительным залом — в этом помещении под крышей режиссер Роман Мархолиа проводил репетиции спектакля “Пиковая дама”, который должен был выйти в апреле нынешнего года, но премьере помешала злосчастная пандемия, она, к сожалению, неожиданно нарушила планы буквально каждого театра страны.
А как же традиции античного театра? И они продолжают жить на севастопольской земле. Актер Театра Луначарского заслуженный артист Украины и России Евгений Журавкин является режиссером спектаклей, которые играются в театре Херсонеса. В репертуаре древнегреческие пьесы, комедии и трагедии. “Ангел стаи” и “Отравленная туника” Николая Гумилева, многие другие постановки в открытом амфитеатре пользуются большой популярностью у зрителей.